Haben Sie schon einmal ein Lied im Renaissance-Stil gehört und sich gefragt, wie es zusammengesetzt ist – oder wollten Sie selbst eines schreiben? Dieser Artikel wird Ihnen helfen, Ihre eigene Musik im Renaissance-Stil zu identifizieren, zu analysieren und zu schreiben.
Schritte
Schritt 1. Erfahren Sie, wie die Musik der Renaissance entstand
- Es gab verschiedene Epochen der Renaissancemusik. Davor begann die erste Ära der Musik, über die wir viel wissen, um 1200 und wurde als mittelalterliche Musikperiode bezeichnet. Zwischen 1400 und 1450 bis 1600 – das war die Renaissance der Musik, beginnend mit 1400-1500 als „Frührenaissance“, 1450 bis 1550 als „Mittelrenaissance“und 1500 bis 1600 als „Spätrenaissance“.
- Was die Musik der Renaissance anbelangte, waren sehr einfache Regeln zu befolgen, und selbst während die Musik ihre inneren Epochen (früh, mittel und spät) durchschritt, entwickelte sie sich, wenn auch nur geringfügig.
Schritt 2. Machen Sie sich mit den spezifischen Regeln vertraut
Abhängig vom genauen Entstehungsdatum des Stückes und der geografischen Herkunft kann es zusätzliche Regeln oder Vorkommnisse innerhalb der Musik gegeben haben.
- Weltliche Songwriter aus dem heutigen Frankreich wurden Troubadours und Trouveres genannt und überbrückten die Kluft zwischen Mittelalter und Renaissance. Jeder hatte einzigartige musikalische Kompositionsstile.
- Während des Mittelalters argumentierten einige, ob geistliche Musik in den Kirchen erlaubt sei oder nicht, und wenn, dann wurde sie fast immer in kirchlichem Latein geschrieben. In der Renaissance begann die Kirche, einige säkulare Songwriting-Praktiken anzunehmen. Es gab Kontrapunkte oder kontrapunktische Kompositionen, Motetten – die manchmal mehrsprachig waren, weltliche Madrigale und Troubadour-Lieder.
- Gesangsmusik war ein heiliger Kontrapunkt, der im Mittelalter populär war. Es wird manchmal fälschlicherweise als „Gregorian Chant“bezeichnet, nach Papst Gregor, der nicht schrieb, sondern die Werke viel später nur organisierte. Dieser Choral sollte als Grundlage für Chorwerke der Renaissance dienen.
- Musik war zu dieser Zeit modal, und die am häufigsten verwendeten Modi waren (in der Reihenfolge) Mixolydisch, Dorisch und Phrygisch, Äolisch und Ionisch. Lydisch und Lokrisch wurden kaum verwendet. Falls Sie mit den Modi nicht vertraut sind, ähneln sie modernen Tonleitern – Das Ionische ist eine perfekte Parallele zur modernen „Major“-Tonleiter und das Äolische ist eine perfekte Parallele zur modernen „Minor“-Tonleiter. Mixolydisch ist eine Dur-Tonleiter mit einer flachen 7 (die siebte Tonleiterstufe wird um einen Halbton abgesenkt, wodurch der „Leitton“eliminiert wird). Dorian ist eine Moll-Tonleiter mit einer scharfen 6 (die sechste Tonleiterstufe wird um einen Halbton erhöht), und Phrygisch ist eine Moll-Tonleiter mit einer flachen 2. Lydisch ist eine Dur-Tonleiter mit einer scharfen 4 und Lokrian ist eine Moll-Tonleiter mit a 2 UND 5 a. Während lydische „Tonleitern“für die moderne Musik immer beliebter werden (manchmal auch als #11-Akkord bezeichnet), wurden sie in der Renaissance kaum verwendet.
Schritt 3. Frischen Sie Ihre Intervalle auf
Intervalle waren wichtig beim Schreiben von Renaissancemusik. Wenn Sie Ihre Intervalle nicht kennen, hilft dieser Artikel nicht viel. Hier ist eine kurze Zusammenfassung der Intervalle in einer Dur-Tonleiter in C. C D E F G A B C – dies ist die Dur-Tonleiter in C. Die Intervalle zwischen dem tiefen C und seinen anderen Tonleiterstufen sind wie folgt:
- Dur 2. (abgekürzt M2) C bis D; M3 (Dur 3.) C bis E (usw.); P4 (Perfekte 4.); P5; M6; M7; P8 (auch Perfect Octave genannt). Wenn Low C zweimal hintereinander gespielt wird, wird das Intervall als P1 oder Perfect Unison bezeichnet.
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C D Eb F G Ab Bb C – dies ist die Moll-Tonleiter in C, und ihre Intervalle sind wie folgt:
M2; m3 (Minor 3rd, angezeigt durch das kleine „m“gegenüber dem Großbuchstaben „M“); P4; P5; m6; m7; P8. Auch hier sind zwei niedrige Cs hintereinander ein P1 oder Perfect Unison. Ansonsten werden Sie feststellen, dass sich nicht viel geändert hat. Es gibt mehr Intervalle als diese.
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C C#/Db D D#/Es E F F#/Gb G G#/Ab A A#/Bb B C – das ist die chromatische Tonleiter. Es umfasst jede Note in der westlichen Tonalität, beginnend mit C. Seine Intervalle sind wie folgt:
- +1 (oder Augmented Unison) / m2, M2, +2/m3, M3, P4, +4/°5 (oder Augmented 4. / Verminderte 5.), P5, +5/m6, M6, +6/m7, M7, P8. Wie immer sind zwei Cs hintereinander ein Perfect Unison. Für jedes Intervall gibt es alternative Namen, je nachdem, ob es angehoben (# / scharf) oder abgesenkt (b / fl) ist.
- Zwischen zwei Noten in einem einzigen Teil und einer Note und ihrer kontrapunktischen Harmonie sind Intervalle erkennbar.
Schritt 4. Verstehen Sie den Inhalt des Stückes, das Sie schreiben
Wenn Sie Renaissancemusik schreiben, schreiben Sie zwei bis vier (selten sechs) völlig unabhängige Musiklinien, die typischerweise auf die Gesangsparts oder Instrumentalparts der Männer hinweisen. Die Teile werden am Anfang zum größten Teil aneinander gereiht, aber es können sehr schöne Harmonien mit gegensätzlichen Rhythmen erzeugt werden. Ein einzelnes Thema, das wiederholt wird, wird als Motiv bezeichnet und kann in anderen Teilen verlangsamt oder beschleunigt werden, auch wenn ein Teil es so spielt, wie es ist.
Schritt 5. Befolgen Sie die Regeln
' Die wichtigsten zu befolgenden Regeln waren: A.) Die häufigsten Sprünge waren eine vierte nach oben und eine fünfte nach unten. Es gab keine Sprünge, die größer als eine Quarte waren, und keine Sprünge eines Dreiklangs (verminderte Quinte / erhöhte Quarte). Typischerweise wurde jedoch, wenn möglich, eine lineare oder skalare Bewegung verwendet, bei Bedarf mit Passing Tones. B.) Vermeiden Sie den Leitton – siebte Tonleiterstufe (natürliche 7 – nur im Ionischen und Lydischen). Ebenso sollten Intervalle in der Harmonie nicht auf einer 2. oder 7. C. landen.) Vermeiden Sie nicht-diatonische Töne – versuchen Sie, einen Modus zu wählen und bleiben Sie dabei. D.) Denken Sie nicht in Akkorden, denken Sie in Intervallen – Kontrapunkt besteht aus zwei oder mehr völlig unabhängigen Teilen. E.) Authentische Renaissancemusik enthielt nicht 2 aufeinander folgende „perfekte“Intervalle in der Harmonie. F.) Authentische Renaissancemusik enthielt nicht mehr als 3 aufeinander folgende Terzen oder Sexten in der Harmonie.
Schritt 6. Verwenden Sie nach Möglichkeit skalare Bewegungen, linear oder sprunghaft
Verwenden Sie bei Bedarf Passing Tones, um den „abgehackten“Klang großer Sprünge zu negieren. Obwohl Sie unabhängige Teile schreiben, ist es klug, sie alle gleichzeitig zu schreiben.
Schritt 7. Schreiben Sie es aus
Während in der traditionellen Renaissancemusik der Rhythmus durch Mensuralnotation angezeigt wurde, ist es vollkommen in Ordnung, moderne Notation zu verwenden, wenn es sich um eine moderne Komposition handelt, die Renaissancemusik nachahmt. Die am häufigsten verwendeten Rhythmen waren ganze Noten, halbe Noten, Viertelnoten und Achtel (technisch ihre Äquivalente) und die Breve oder die doppelte ganze Note (eine mittelalterliche Erfindung, die heute noch verwendet wird).
Schritt 8. Studieren Sie die Sprachen der Zeit
Englisch wurde in dem sogenannten Mittelenglisch geschrieben, ähnlich wie Chaucer. Sie hatten andere Wörter für Dinge, die wir heute noch verwenden. Wenn Sie eine Motette schreiben, kann sie teilweise auf Spanisch, teilweise auf Englisch und teilweise auf Französisch sein. Sakrale Stücke werden wahrscheinlich in kirchlichem Latein verfasst sein. Auch Deutsch wurde verwendet. Beliebte Themen waren Liebe und Trauer, heilige Stücke, die oft aus der Heiligen Schrift zitiert wurden, und wie immer war ein beliebtes weltliches Thema Trinken oder Handlanger. Du wirst sehen, die Musik hat sich weiterentwickelt, aber nicht viel.
Schritt 9. Wenn Sie fertig sind, können Sie sich vielleicht ein paar Freunde schnappen und Ihre Stücke auf dem nächsten Renaissance-Festival ausprobieren
Mit diesen Informationen im Gepäck sind Sie möglicherweise die chronologisch genauesten Personen dort.
