4 Möglichkeiten, Ihren eigenen Film zu schreiben, Regie zu führen und zu bearbeiten

2024 Autor: Robert Blare | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-17 07:23

Wollten Sie schon immer Ihren eigenen Film machen? Einen eigenen Film zu schreiben, Regie zu führen und zu lernen, wie man seinen eigenen Film bearbeitet, ist eine entmutigende Aufgabe, aber es gibt Ihnen die ultimative kreative Kontrolle über Ihre Kreation. Sie sollten bereit sein, viel Arbeit zu investieren, nur um Ihren Film zu machen, aber Sie sollten auch bereit sein, viel Spaß zu haben. Also schnapp dir ein paar Freunde, schnapp dir eine Kamera und mach dich bereit – Hollywood ruft.

Schritte

Methode 1 von 4: Einen Film schreiben

Schritt 1. Kommen Sie mit einer Idee

Wenn Sie keine Vorstellungskraft von der Größe Ozeaniens haben, wird dies der schwierigste Teil sein. Die Idee zu Ihrem Film muss jedoch kein intensiver Showdown mit der Künstlerischen Muse sein. Versuchen Sie, einen guten Satz zu finden, wie den, den Sie in einer Filmbeschreibung lesen, um Ihren Film zu stützen. Was ist der Konflikt, der Charakter oder die Geschichte, die Sie erzählen möchten? Beachten Sie bei der Planung einige Dinge:

• Kleiner ist besser – wenn Sie dies selbst drehen, müssen alle zusätzlichen Charaktere, Orte und Spezialeffekte irgendwann finanziert und herausgefunden werden.
• Welches Genre streben Sie an? Komödie? Science-Fiction? Theater? Sobald Sie Ihr Genre kennen, können Sie sich Gedanken über Handlungen und Charaktere machen, die dazu passen.
• Welche Filmkombinationen hast du noch nicht gesehen? Obwohl es kindisch erscheint, sind fast alle Filme und Fernsehsendungen Hybriden aus anderen Filmen, Fernsehsendungen und Genres. Twilight ist beispielsweise Vampir + Romance Novel. Haben Sie einen guten komödiantischen Western gesehen? Wie wäre es mit einem Kiffer-Science-Fiction? Wie können Sie Ihren Interessen auf unerwartete Weise gerecht werden?
• Wo hast du Erfahrung? Können Sie den Alltag eines Büroangestellten auf originelle Weise kommentieren? Wissen Sie mehr über Discgolf als jeder andere? Gibt es irgendwo einen Film zu diesen Erlebnissen?
• Suchen Sie nach "Log-Lines" für Ihre Lieblingsfilme, um sich inspirieren zu lassen. Dies sind ähnliche Ein-Satz-Synopsen von Filmen, die verwendet werden, um das Drehbuch an Filmmanager zu verkaufen. Sie können Tausende von ihnen online suchen.

Schritt 2. Erfinde deine Charaktere

Charaktere treiben Geschichten voran. Fast alle Filme sind das Ergebnis einer Figur, die etwas will, es aber nicht bekommen kann. Der Film zeigt dann die Prüfungen und Leiden der Charaktere, während sie versuchen, ihre Wünsche zu erfüllen (das Mädchen holen, die Welt retten, das College abschließen usw.). Das Publikum bezieht sich auf die Figur, nicht auf Ihren Film, also brauchen Sie um sicherzustellen, dass Sie gut durchdachte Charaktere haben, bevor Sie beginnen. Gute Charaktere:

• Sind rund.

  Das bedeutet, dass sie mehrere Facetten haben, nicht nur ein "wütender Mann" oder "starke Heldin". Runde Charaktere haben Stärken und Schwächen, die sie für das Publikum zugänglich machen.

• Habe Wünsche und Ängste.

  Auch wenn es nur einen von jedem gibt, ein guter Charakter will etwas, kann es aber nicht bekommen. Ihre Fähigkeit oder Unfähigkeit, ihre Angst zu überwinden (arm zu sein, allein zu sein, vor Außerirdischen im Weltraum, vor Spinnen usw.), treibt ihren Konflikt an.

• Agentur haben.

  Ein guter Charakter wird nicht herumgepeitscht, weil Ihr Skript ihn irgendwohin braucht. Ein guter Charakter trifft Entscheidungen, die die Handlung vorantreiben. Manchmal ist dies nur eine Entscheidung, die alles andere antreibt (Llewellyn, No Country for Old Men), manchmal ist es eine Reihe von guten/schlechten Entscheidungen in jeder Szene (American Hustle).

Schritt 3. Skizzieren Sie die wichtigsten Handlungspunkte Ihres Films

Manche Leute mögen es, sich Charaktere und eine Prämisse auszudenken und dann zu schreiben. Alle Drehbuchautoren sehen jedoch den Wert des 5-Punkte-Plots, in dem 5 wichtige, eskalierende Momente den Film ausmachen. Fast jeder einzelne Film folgt dieser allgemeinen Struktur, von Jurassic Park über Just Friends bis hin zu Jupiter Ascending.' Dies bedeutet nicht, dass Ihr Skript dieser Vorlage folgen muss, aber der Wahnsinn hat Methode. Es gibt 5 Hauptmomente in jedem Film, die genau an die gleiche Stelle fallen, und Sie brauchen einen guten Grund, von diesem System abzuweichen, wenn Sie "originell" sein wollen:

• Die Einrichtung:

  Wer sind deine Charaktere, wo leben sie und was wollen sie? Dies sind die ersten 10 % oder weniger Ihres Films.

• Planänderung/Chance/Konflikt:

  Etwas passiert, das deinen Konflikt in Gang setzt – Erin Brockovich bekommt einen Job, die Schule von Superbad schmeißt eine Party, Neo wird The Matrix vorgestellt usw. Das ist ungefähr die 1/3-Marke deines Drehbuchs.

• Der Punkt, an dem es kein Zurück mehr gibt:

  Bis zu diesem Zeitpunkt arbeiten die Charaktere hart daran, ihre Ziele zu verwirklichen. Aber zur Hälfte des Films passiert etwas, das es unmöglich macht, umzukehren. Ein Bond-Bösewicht greift erneut an, der Gladiator kommt in Rom an, Thelma und Louise rauben ihren ersten Laden aus usw.

• Der große Rückschlag:

  Seit dem Point of no Return sind die Einsätze höher geworden. Für die Charaktere und das Publikum scheint alle Hoffnung verloren. In jeder romantischen Komödie trennen sich das Mädchen und der Typ, in Anchorman wird Ron Burgundy gefeuert und in Stirb langsam wird John McClane blutig geschlagen. Dies kommt an der 75%-Marke Ihrer Geschichte.

• Der Höhepunkt:

  Die Charaktere machen einen letzten, vollen Druck, um ihre Ziele zu erreichen, was in ihrer größten Herausforderung gipfelt. Dies ist der Moment des Laufens durch den Flughafen, die letzten Löcher in Caddyshack oder der Showdown zwischen Held und Bösewicht. Einmal gelöst, verbinden die letzten 10 % des Skripts lose Enden und zeigen die Nachwirkungen des Höhepunkts.

Schritt 4. Schreiben Sie Ihr Skript

Wenn Sie den Film selbst produzieren, können Sie jedes beliebige Schreibformat verwenden. Drehbuchsoftware wie Celtx, Writer Duets und Final Draft helfen Ihnen jedoch dabei, Formatierungen in Studioqualität zusammen mit speziellen Tools für Drehbuchautoren zu erhalten. Diese Programme formatieren automatisch für Sie und sind eine großartige Möglichkeit, die Länge Ihres Films zu ermitteln - 1 Seite formatiertes Skript entspricht ungefähr 1 Minute Bildschirmzeit.

• Machen Sie sich einige Notizen zu Dingen wie Kulisse, Landschaft und Schauspielern, konzentrieren Sie sich jedoch hauptsächlich auf die Dialoge. Die anderen Entscheidungen treffen Sie später, wenn Sie Kameras, Schauspieler und Drehorte haben.
• Bereiten Sie sich auch auf Überarbeitungen vor. Es ist fast unmöglich, alle Ihre Momente – Charaktere, Handlungen, Themen, Witze usw. – gleich beim ersten Durchlauf zu erfassen. Wenn Sie fertig sind, kehren Sie zum Skript zurück und versuchen Sie, es objektiv zu lesen. Würden Sie sich diesen Film ansehen?

Schritt 5. Lesen Sie eine Tabelle, um Ihr Schreiben zu verbessern

Table Reads sind unerlässlich, um ein gutes Skript zu verfeinern und sich auf den Film vorzubereiten. Versammeln Sie ein paar Freunde oder Schauspieler und geben Sie jedem 2-3 Tage im Voraus ein Drehbuch. Laden Sie sie dann zu sich ein und machen Sie einen Probelauf des gesamten Films, indem Sie sie die Teile aussprechen lassen, während Sie oder jemand anderes die Aktionen erzählen. Notieren Sie sich alle Zeilen, die unnatürlich oder unangenehm klingen, wo eine Szene zu kurz kommt und wie lange es dauert, das Skript zu lesen.

• Fragen Sie die Schauspieler/Freunde nach ihrer Meinung. Wo waren sie verwirrt, was liebten sie? Fragen Sie sie, ob sie das Gefühl haben, dass ihr Charakter gut durchdacht und konsistent ist.
• Versuchen Sie, keine Rolle zu spielen und hören Sie einfach zu. Hörst du, wie dein Film zum Leben erwacht? Klingt es so, wie Sie es sich erhofft haben? Sie möchten diese Momente jetzt hören, nicht wenn sich die Kameras einschalten.

Methode 2 von 4: Vorbereitung für die Produktion

Schritt 1. Erstellen Sie eine Liste mit all Ihren Ausrüstungs- und Ausrüstungsanforderungen

Um einen Film zu machen, braucht es eine Menge Ausrüstung, einschließlich Kameras, Mikrofone und Lichter. Machen Sie eine schnelle Bestandsaufnahme Ihrer Ausrüstung und finden Sie dann Möglichkeiten, die Löcher zu füllen:

• Kameras:

  Natürlich könnte man ohne Kamera niemals einen Film drehen. Für die meisten Filme benötigen Sie mindestens 2 Kameras, vorzugsweise 3. Allerdings haben moderne Kameraentwicklungen es möglich gemacht, einen Film mit einem iPhone 6 zu filmen, sodass Sie nicht mehr viel Geld ausgeben müssen. Das Wichtigste für einen professionellen Film sind Kameras, die im gleichen Format drehen (zB 1080i), sonst ändert sich die Videoqualität mit jedem Schnitt subtil. Wenn Sie ein begrenztes Budget haben, können Sie normalerweise Ihr Telefon oder eine Standard-DSLR-Kamera verwenden.

• Mikrofone:

  Wenn Sie in der Klemme sind, geben Sie Ihr Geld für Audiogeräte aus: Das Publikum nimmt nachweislich schlechten Ton vor schlechtem Video wahr. Während Sie bei Bedarf die angeschlossenen Kameramikrofone verwenden können, ist ein Tascam- oder Shotgun-Mikrofon immer eine lohnende Investition.

• Beleuchtung:

  Wenn Sie ein großartiges 3-5-teiliges Beleuchtungsset erhalten können, verwenden Sie es. Diese Leuchten verfügen über eine Vielzahl von Funktionen und Einstellungen, die Ihnen helfen, jede erdenkliche Situation zu beleuchten. Allerdings haben 5-10 billige Klemmlichter und Verlängerungskabel schon so manchen Indie-Film beleuchtet. Alles, was Sie brauchen, sind Lichter und verschiedene Glühbirnen (Wolfram, Matt, LED usw.), um Ihre Szene anzupassen.

• Wesentliches Zubehör:

  Je nach Film benötigen Sie Speicherkarten, eine Backup-Festplatte, Stative, Lichtreflektoren, Verlängerungskabel, schwarzes Klebeband (um Kabel abzudecken oder abzukleben) und Computer-Videobearbeitungssoftware.

Schritt 2. Erstellen Sie für jede Szene ein Storyboard

Storyboards sehen ein bisschen aus wie grobe Comic-Bücher – Sie zeichnen die allgemeine Aufnahme und fügen dann den Dialog hinzu, der darunter gesagt werden muss. Sie können Vorlagen ganz einfach online herunterladen und dann vor einem Shooting einzeichnen. Storyboards sind wie Checklisten beim Filmen und helfen Ihnen, jede gewünschte Aufnahme zu machen, damit Sie beim Schneiden nicht plötzlich merken, dass etwas fehlt.

• Jedes Bild, das Sie zeichnen, wird zu Ihrer Aufnahmeliste – ein detailliertes Buch mit allen Kamerawinkeln, die Sie erfassen müssen, um Ihre Geschichte zu erzählen. Sobald Ihr Storyboard fertig ist, kopieren Sie es und legen Sie es zum späteren Nachschlagen in einen Ordner.
• Machen Sie sich Notizen zu Schnitten und Übergängen sowie zu wichtigen Soundeffekten. Diese Zeichnungen müssen keine Kunst sein, sie müssen die Geschichte Ihres Films visuell erzählen.
• Diese können sich mühsam anfühlen, aber sie sparen Ihnen Zeit am Set, die schnell teuer wird.

Schritt 3. Finden Sie Ihre Sets und Standorte

Es gibt viele Denkschulen über die Auswahl von Sets, und keine davon ist falsch. Sie können Ihre eigenen Sets für die ultimative kreative Kontrolle bauen, aber das kostet Zeit und viel Geld. Sie können auch in Häusern und Orten fotografieren, die Sie leicht erreichen können, wie das Haus oder der Garten Ihres Freundes. Alternativ können Sie Räume, die Sie lieben, vermieten und die Rechte zum Filmen in einer Schule, einem Hotel oder einem Park erwerben. Egal, was Sie tun, stellen Sie sicher, dass Ihr Set zu Ihrem Film passt und es Ihnen und Ihrer Crew ermöglicht, den Ort für mehrere Stunden ungestört zu übernehmen.

Schritt 4. Verwenden Sie Ihr Storyboard und Ihre Ausrüstungsliste, um Ihr Budget zu erstellen

Dies mag der Moment sein, den jeder Filmemacher am meisten hasst, aber Sie benötigen eine realistische Vorstellung von den Kosten Ihres Films, bevor Sie mit den Dreharbeiten beginnen. Sie möchten zum Beispiel nicht die Hälfte der Dreharbeiten hinter sich haben und feststellen, dass Sie sich für die Verfolgungsjagden keinen Mietwagen mehr leisten können. Halten Sie Ihr Budget einfach und realistisch. Brauchst du wirklich 10 Requisitengewehre oder kannst du 2 machen? Können Sie eine Szene mit 100 Statisten eliminieren oder ändern, um 10 zu haben? Sie müssen budgetieren für:

• Ausrüstung, die Sie derzeit nicht besitzen.
• Requisiten, Kostüme und Orte (z. B. die Vermietung eines Ballsaals oder Restaurants).
• Crew- und Schauspielerhonorare. Es ist möglich, Crews und Schauspieler kostenlos zu bekommen, aber es ist selten, dass Leute länger als 1-2 Tage ohne Bezahlung helfen. Möglicherweise können Sie im Gegenzug Gefälligkeiten anbieten, damit sie Ihnen bei einer kürzeren Produktion helfen.
• Essens- und Transportkosten für Sie, die Crew und die Schauspieler.
• Wisse, dass du für einen "professionellen" Dreh mit bezahlter Crew und Schauspielern mindestens 5.000 US-Dollar pro Tag einplanen solltest.

Schritt 5. Stellen Sie Schauspieler und Crewmitglieder ein

Sie haben Ihre Charaktere, Ihre Schussliste und die notwendige Ausrüstung – jetzt brauchen Sie jemanden, der alles benutzt. Die Besetzung von Schauspielern ist eine persönliche Entscheidung – Sie können mit Craigslist oder Zeitungsbeiträgen Vorsprechen abhalten, lokale Theater besuchen oder Ihre Freunde einbeziehen. Für Besatzungsmitglieder gibt es eine Vielzahl von Stellen, die Sie besetzen müssen:

• Kameramann (DP):

  Der wohl wichtigste Job, sie sind verantwortlich für Kameras und Lichter. Während Sie die Schauspieler inszenieren und das letzte Wort bei der Aufnahme geben, kümmern sie sich um die technischen Aspekte des Films. Sie brauchen jemanden, der Objektive, Kameras und Beleuchtung versteht, auch wenn es nur ein Freund ist, der sich für Fotografie interessiert. Es ist sehr, sehr schwer, eine Szene, einen Ort, Kameras, Schauspieler zu beobachten und gleichzeitig die Szenerie zu gestalten, also besorgen Sie sich jemanden, der Ihnen etwas abnehmen und Ihnen erlauben kann, Regie zu führen.

• Regieassistent (AD): Plant die Aufnahmen, stellt sicher, dass die Aufnahmeliste abgedeckt ist, filmt kleine Szenen, wenn der Regisseur beschäftigt ist. Kann auch beim Budget helfen.

• Kamera- und Mikrofonbediener:

  Selbsterklärend, aber unverzichtbar. Ohne sie kann man keinen Film machen.

• Maskenbildner:

  Jeder kann dies tun, aber ihre Hauptaufgabe ist Kontinuität. Wenn in Ihrem Film nicht viel Zeit vergeht, müssen Gesicht und Kostüme des Schauspielers in jeder einzelnen Szene identisch aussehen, sonst werden die Zuschauer die Veränderungen bemerken. Fotografieren Sie jeden Tag das Kostüm, das Make-up und die Szenen, um sicherzustellen, dass es gleich aussieht.

• Toningenieur:

  Hören Sie sich den gesamten Ton an, während er aufgenommen wird, und stellen Sie sicher, dass er richtig ist. Sie platzieren auch die Mikrofone, um Dialoge aufzunehmen, nachdem die Lichter platziert wurden.

• Linienproduzent:

  Prüft Standorte im Voraus, stellt sicher, dass Genehmigungen und Verträge geschrieben und unterzeichnet sind.

• Produktionsassistent:

  Diese Leute sind immer nützlich und tun alles, was getan werden muss – Essen und Kaffee zubereiten, Speicherkarten abwischen und bei Bedarf sogar eine Kamera halten. Crewmitglieder kann man nie genug haben.

Schritt 6. Verträge unterschreiben

Es spielt keine Rolle, mit wem Sie zusammenarbeiten oder um welches Projekt es sich handelt – lassen Sie einen Vertrag unterschreiben. Dies schützt Sie bei Unfällen, verpflichtet die Leute rechtlich, Ihren Film bis zur Fertigstellung zu sehen, und verhindert Klagen, falls der Film abgeholt wird. Sie können online nach "Schauspieler-Filmvertrag", "Produzentenvertrag" usw. suchen und ihn einfach und frei an Ihre Bedürfnisse anpassen, also sparen Sie bei diesem Schritt nicht.

• Verträge sind paradoxerweise eine großartige Möglichkeit, Freundschaften zu bewahren. Anstatt später über etwas zu streiten, können Sie einfach auf das zurückkommen, was Sie bereits schriftlich haben.
• Stellen Sie sicher, dass Sie, insbesondere für Schauspieler, eine Vorkehrung haben, die es ihnen vorschreibt, den Film zu beenden, sobald sie mit den Dreharbeiten beginnen.

Schritt 7. Erstellen Sie Ihren Drehplan

Realistischerweise werden Sie an einem guten Tag nur 5-10 Seiten Ihres Skripts fertig stellen, es sei denn, Sie haben nur ein paar Leute in Ihrem Skript und 1-2 Orte. Bei großen oder schwierigen Szenen erhalten Sie möglicherweise nur 2-3 Seiten. Je mehr Zeit Sie mit dem Filmen verbringen können, desto besser, aber je mehr Zeit Sie mit dem Filmen verbringen, desto mehr Geld werden Sie auch ausgeben. Wie Sie dies ausgleichen, hängt von einigen Faktoren ab:

• Welche Szenen spielen alle am selben Ort? Können Sie sie, auch wenn sie außer Betrieb sind, noch am selben Tag filmen?
• Welche Szenen haben massive Shotlists? Wenn Sie diese zuerst erledigen, können Sie sicherstellen, dass Sie die "großen" Szenen so erhalten, wie Sie es möchten.
• Sind Schüsse entbehrlich, wenn Zeit/Geld knapp werden? Setzen Sie diese zuletzt.
• Dieser Zeitplan kann und muss wahrscheinlich fließend sein. Aber je mehr man sich daran halten kann, desto besser.

Methode 3 von 4: Ihren Film filmen

Schritt 1. Bereiten Sie alles im Voraus vor

Du solltest jeden Tag der Erste am Set und der Letzte sein, der das Set verlässt. Einen Film zu drehen ist nicht einfach, und Sie müssen davon ausgehen, dass alles, was schief gehen kann, auch passieren wird. Schauspieler werden krank, das Wetter spielt nicht mit und es gibt Hunderte von kleinen Entscheidungen (Beleuchtung, Charakterplatzierung, Kostüme), die jede Stunde getroffen werden müssen. Der einzige Weg zu einem erfolgreichen Shooting besteht darin, so viel Arbeit wie möglich zu erledigen, bevor Sie überhaupt beginnen.

• Sehen Sie sich die Schussliste des Tages an. Was müssen Sie besorgen und was können Sie kürzen, wenn Ihnen die Zeit ausgeht?
• Proben Sie mit den Schauspielern. Stellen Sie sicher, dass sie ihre Linien kennen und wie Sie sie spielen möchten.
• Überprüfen Sie die Beleuchtungs- und Kameraauswahl mit dem DP.

Schritt 2. Lassen Sie alle zu Beginn des Shootings wissen, was erwartet wird

Geben Sie jedem die Details auf einfache Weise von oben. Dies ist besonders wichtig für Low-Budget-Filme, da Sie normalerweise etwas Schauspiel und Arbeit umsonst bekommen. Teilen Sie den Darstellern und der Crew mit, welche Ziele Sie für den Drehtag haben und wie dankbar sie für Ihre Unterstützung sind.

• Verteilen Sie den Tagesablauf im Voraus, damit alle vorbereitet sind.
• Informieren Sie die Crew über alle Spezialeffekte oder Stimmungen, die Sie anstreben und wie sie bei der Erstellung helfen können.
• Überprüfen Sie Ihr Aufnahmeverfahren, damit jeder seine Rolle kennt.

Schritt 3. Richten Sie die Szenenblockierung ein

Blockieren ist, wo die Akteure sind und wohin sie gehen. Dies ist der erste Schritt bei jedem Filmen und der wichtigste – alle Lichter, Kameras und der Ton können erst nach Abschluss des Films platziert werden. Wenn die Szene gut einstudiert ist, sollte dies einfach sein. Wenn nicht, müssen Sie einige Zeit damit verbringen, die Schauspieler an den richtigen Stellen zu platzieren.

• Halten Sie dies so einfach wie möglich – Gehen Sie in geraden Linien, einfachen Ein- und Ausgängen und meistens stillen Positionen. Es ist kein Theaterstück und die Kameras erfassen nur einen kleinen Teil der gesamten Szene. Lassen Sie nach Möglichkeit die Kamera die Bewegung machen, nicht die Schauspieler.
• Klebeband kann auf den Boden gelegt werden, um den Schauspielern zu sagen, wo sie nach jeder Aufnahme landen sollen.
• Sie können oft mit Besatzungsmitgliedern oder einer detaillierten Aufnahmeliste im Voraus planen, um Zeit zu sparen. Wenn Sie die Blockierung bereits ausgeschrieben haben, wird Ihr Shooting viel produktiver.

Schritt 4. Richten Sie Ihre Kameras ein

Es gibt unendlich viele Möglichkeiten, Ihre Kameras zu platzieren, zu bewegen und zu verwenden. Aus diesem Grund ist eine Aufnahmeliste, bei der es sich im Grunde genommen um eine Liste Ihrer vorab arrangierten Kamerapositionen handelt, unerlässlich, um Zeit und Geld zu sparen. Aus Zeitgründen sind die drei wesentlichen Kamerawinkel in einer Dialogszene:

• Etablierung von Schüssen oder Meistern:

  Etablierende Einstellungen enthalten die gesamte Handlung der Szene – die sprechenden Charaktere, das Set und die Bewegungen. Es sind lange, breite Aufnahmen, mit denen Sie, falls etwas schief geht, die gesamte Szene filmen können, da sie alles einfangen.

• 2-Schuss (2-Kameras):

  Eine Kamera über der Schulter jedes Schauspielers, die auf den anderen Schauspieler gerichtet ist. Auf diese Weise können Sie jeden Charakter sehen, während er spricht.

• Wenn Sie 3 oder mehr Schauspieler filmen, versuchen Sie, es auszublenden, damit Sie 2 Charaktere gleichzeitig im Bild haben - auf diese Weise benötigen Sie nur eine Kamera, um ihre Dialoge aufzunehmen.
• Sehen Sie sich einige Ihrer Lieblingsfilme mit einem kritischen Auge an. Wie würde ein Film beispielsweise ein Dinner-Date zwischen 2 Personen festhalten? Sie werden diese drei Kamerawinkel (einer von beiden + der Tisch, einer von dem Kerl, einer von dem Mädchen) mehr bemerken als jede andere Einstellung.

Schritt 5. Richten Sie Ihre Lichter ein

Denken Sie daran, es ist immer besser, mehr Licht zu haben als weniger. Es ist einfach, ein Bild in der Nachbearbeitung abzudunkeln, aber es ist sehr schwer, es heller zu machen, ohne die Bildqualität zu beeinträchtigen. Nutzen Sie das natürliche Licht wann immer möglich zu Ihrem Vorteil und halten Sie es vor allem einfach. Ihr Ziel ist eine schöne, allmähliche Auswahl an Lichtern – tiefe, dunkle Schatten und sehr wenige große helle Flecken.

• Stellen Sie Ihre Kamera in Schwarzweiß ein, um nur die Helligkeit des Bildes zu sehen. Wenn es immer noch eine interessante Aufnahme in Schwarzweiß ist, wird sie in Farbe unglaublich aussehen.
• Die eineinhalb Stunden um Sonnenaufgang und Sonnenuntergang gelten als die beste Zeit, um bei natürlichem Licht zu fotografieren. Die Beleuchtung ist weich und gleichmäßig, und Sie können diese Zeit sogar nutzen, um "Nacht"-Aufnahmen auszuleuchten, die später in der Postproduktion gedimmt werden.
• Verwenden Sie "Praktika" oder Lichter in der Szene. Haben Sie Probleme, das Licht richtig zu machen? Stecken Sie eine Lampe in die Aufnahme oder schalten Sie die Deckenbeleuchtung ein.

Schritt 6. Wissen, wie man ein Shooting startet

Die Techniken für den Beginn eines Films variieren von Set zu Set, aber sie sollten nicht von Einstellung zu Einstellung variieren. Eine Routine vor dem Drehbeginn stellt sicher, dass jeder immer auf dem gleichen Stand ist. Wenn möglich, ist dies die Pflicht des AD. Eine Beispielroutine würde beinhalten:

• "Alle das ist ein Bild, bitte ruhig!"
• "Rollgeräusch!" Dies ist der Hinweis, um Mikrofone zu starten. Wenn Sie fertig sind, schreit jemand: "Rolling!"
• "Rollenbild!" Dies ist der Hinweis, um Kameras zu starten. Wenn Sie fertig sind, schreit jemand normalerweise "Speed!"
• Lesen Sie Titel, Szene und Take-Nummer vor: "Das ist mein Film, Szene 1, Take 2.". Wenn Sie eine Schindel haben, wird sie geschlagen und jemand ruft "Marker!"
• 3-5 Sekunden Stille.
• "HANDLUNG!"

Schritt 7. Nehmen Sie Ihre Berichterstattung auf, sobald Sie die gewünschte Szene haben

Wählen Sie ein paar extreme Winkel, interessante Umgebungsaufnahmen oder Nahaufnahmen von Gesichtern, Händen oder Requisiten eines Charakters und führen Sie die Szene erneut aus. Diese Aufnahmen können im Film nur 1-2 Sekunden dauern, sind aber für den Schnitt unerlässlich. Schauen Sie sich jeden Film an und bemerken Sie, wie viele kleine, scheinbar nutzlose Einstellungen verwendet werden, um in die Welt der Szene einzutauchen, ein emotionales Zucken zu zeigen oder einfach von Szene zu Szene zu wechseln. Filmen Sie diese Aufnahmen, sobald die Schauspieler ihre Zeilen nach Ihren Wünschen geliefert haben.

Sprechen die Charaktere über den Kuchen auf dem Tisch? Dann brauchen Sie nur einen Schuss von dem Kuchen auf dem Tisch. Müssen Sie zeigen, wie spät es ist? Dann brauchen Sie eine Aufnahme der Uhr an der Wand

Schritt 8. Überprüfen Sie Ihr Filmmaterial jeden Tag und streichen Sie Ihre Aufnahmeliste ab

Je nach Budget und Zeit müssen Sie möglicherweise einige Abstriche machen, aber selbst Hollywood-Regisseure sind dazu gezwungen. Stellen Sie nach jedem Tag sicher, dass Sie alles haben, was Sie wollen und brauchen, und streichen Sie es dann von Ihrer Schussliste. Sie müssen jetzt, nicht 3 Monate später, wenn Sie mit der Bearbeitung beginnen, wissen, ob etwas fehlt.

Schritt 9. Nehmen Sie B-Roll-Aufnahmen auf

B-Roll sind einfach die Aufnahmen, die keine Schauspieler beinhalten. Es wird normalerweise in Übergängen, Vor- oder Abspann oder beim Einrichten eines neuen Standorts verwendet. Gehen Sie mit einer Kamera und Ihrem DP raus und erhalten Sie so viele Stunden Filmmaterial wie möglich. Ihr primäres Ziel ist es, über Filmmaterial nachzudenken, das den Film ergänzen könnte. Zum Beispiel ist die B-Roll in Punch-Drunk Love eine Reihe abstrakter, vielfarbiger Aufnahmen, die dem verwirrten, ängstlichen und verkrüppelten Geisteszustand des Protagonisten entsprechen. Spionagefilme haben normalerweise viele B-Rolls mit wunderschönen Stränden, geschäftigen Städten und dramatischen Landschaften. B-Roll erzählt Ihre Geschichte subtil und visuell.

• Von B-Rollen kann man nie genug haben. Wenn Sie schneiden, ist dies das Bindegewebe, das Ihre Szenen zusammenhält, um einen legitimen Film zu machen.
• Sie können und sollten B-Roll vor und nach dem "Ende" einer Szene drehen, da diese 2-3 Sekunden eine großartige Möglichkeit sind, das Publikum langsam in die Szene zu bringen.

Schritt 10. Sichern Sie Ihr Filmmaterial jeden Tag

Nehmen Sie sich am Ende der Aufnahme die Zeit, um Ihr Filmmaterial von Speicherkarten zu entfernen und auf eine sichere Festplatte herunterzuladen. Dieser kleine Schritt am Ende des Tages kann Ihnen Stunden und Stunden Zeit sparen, falls Sie Ihr Filmmaterial verlieren.

• Die meisten Profis verwenden mehr als ein Backup und kopieren das gesamte Filmmaterial auf mindestens zwei Quellen, bevor sie alles auf den Speicherkarten löschen.
• Nehmen Sie sich auch diese Zeit, um Ihr Filmmaterial zu organisieren. Erstellen Sie einen Ordner für den Aufnahmetag und organisieren Sie das Filmmaterial in diesem Ordner nach Szene. Dies wird das Schießen viel, viel einfacher machen.

Methode 4 von 4: Bearbeiten Ihres Films

Schritt 1. Wählen Sie die richtige Bearbeitungssoftware für Ihren Film. Es gibt viele Optionen zur Auswahl, wenn es um Videobearbeitungssoftware geht (oft als Non-Linear-Editing-Programme oder NLE bezeichnet), von kostenlosen Programmen wie iMovie und Windows Movie Maker bis hin zu komplexen, professionellen Kraftpaketen wie Final Cut Pro und Adobe-Premier. Für welche Verwendung Sie sich entscheiden, hängt größtenteils von Ihren persönlichen Vorlieben und der Art des Projekts ab, an dem Sie arbeiten:

• Kostenlose Software wie iMovie und Windows Movie Maker ist wirklich nur für kleine Filme nützlich, normalerweise alles unter 20 Minuten. Sie sind nicht für viele Video- und Kamerawinkel ausgelegt und verfügen über eine begrenzte Anzahl von Übergängen und Effektoptionen.
• Bezahlte Software ist für jeden angehenden Filmemacher notwendig. Wenn Sie mehrere Kameras für eine Szene verwenden, glatten Text, Übergänge oder Effekte benötigen oder einfach ein professionelles Programm wünschen, müssen Sie in gute Software investieren. Derzeit sind die drei "Branchenstandard"-Programme Avid, Final Cut X und Adobe Premier, und jedes hat einen hohen Preis, oft 400 US-Dollar oder mehr. Sie können diese Programme jedoch oft gegen eine geringe monatliche Zahlung abonnieren.

Schritt 2. Importieren Sie eine Szene in Ihren Videoeditor

Bei einem Kurzfilm (unter 20-30 Minuten) können Sie wahrscheinlich das gesamte Filmmaterial auf einmal importieren. Wenn Sie jedoch einen Spielfilm drehen oder einfach mit vielen Kamerawinkeln arbeiten, möchten Sie Ihren Film in Teilen bearbeiten. Importieren Sie nur das Filmmaterial, das Sie für die Szene benötigen, sowie alle relevanten B-Rollen.

Wenn Sie mehrere Kameras in derselben Szene haben, verwenden Sie die "Sync"-Option Ihres Programms, um alle aneinander auszurichten. Suchen Sie online nach "[Ihr Programm] Multi-Cam-Bearbeitung" für Ihre Programme, mit dem Sie ganz einfach zwischen mehreren Aufnahmen gleichzeitig wechseln können. Dadurch werden alle Kameras aufeinander abgestimmt, sodass Sie nicht stundenlang darauf achten müssen, dass jeder Schnitt mit der letzten Aufnahme übereinstimmt

Schritt 3. Verwenden Sie Ihre ersten Aufnahmen, um die Stimmung und das Thema der Szene festzulegen

Die ersten Aufnahmen legen den Fokus der Szene fest. Sie haben eine fast unendliche Anzahl von Möglichkeiten, aber einige der häufigsten sind:

• Der Gründungsschuss:

  Dies ist bei weitem die gebräuchlichste Art, eine Szene zu starten. Diese Aufnahme zeigt alle Hauptdarsteller, die Szene und den Ort gleichzeitig. Dies ermöglicht dem Publikum, ein Gefühl für die Szene zu bekommen, und sie können dann den Rest der kommenden Schnitte mitverfolgen.

• Charakter fokussiert:

  Ob sie die erste Zeile sagen oder nicht, nach der Hauptfigur der Szene sagt sie dem Publikum, dass dies die Person ist, auf die sie achten müssen – etwas wird ihnen passieren oder sie werden etwas erkennen.

• Szene einstellen:

  Verwenden Sie B-Roll und Aufnahmen des Raums/der Umgebung, um ein Gefühl für den Standort zu bekommen. Dies wird in vielen Filmen verwendet, insbesondere in Horrorfilmen, wo eine Szene mit 5-6 gruseligen Aufnahmen eines Spukhauses oder eines gefährlichen Raums beginnen kann.

Schritt 4. Erstellen Sie den Dialog um die besten Einstellungen des Schauspielers

Sehen Sie sich Ihr Filmmaterial noch einmal an und sehen Sie, welche Szenen Ihnen am besten gefallen – wo jeder ins Schwarze getroffen hat, der Dialog sich natürlich anfühlt und das Filmmaterial klar und scharf ist. Wenn Sie einen Take finden, bei dem alles gut gemacht ist, haben Sie Glück und Ihre Arbeit wird viel schneller sein.

Schritt 5. Zeigen Sie jedes Zeichen, während sie ihre Zeilen liefern

Diese Regel ist nicht hart und schnell, aber Sie sollten fast immer damit beginnen. Von dort aus können Sie entscheiden, ob es wichtiger ist, einem Charakter beim Zuhören oder beim Sprechen zuzusehen. Sehen Sie sich Whiplash oder There Will Be Blood an, um eine gute Vorstellung davon zu bekommen, wo der Fokus der Szene in dialogorientierten Filmen liegen sollte.

Der beste Charakter, der in einer Szene gezeigt werden kann, ist normalerweise eine Frage des Gefühls. Wer sollte Ihrer Meinung nach im Mittelpunkt der Linie stehen? Gibt ein Schauspieler auf etwas einen besonders guten Ausdruck oder eine besonders gute Reaktion? Wo würden Ihre Augen hingehen, wenn Sie mit den Schauspielern im Raum sitzen würden?

Schritt 6. Füllen Sie alle Lücken/Fehler von B-Roll und anderen Takes aus

Manchmal erhalten Sie keine gute Aufnahme und müssen viele Aufnahmen kombinieren, damit die Szene funktioniert. Dies ist unglaublich häufig, aber es sollte nicht schwierig sein, wenn die Akteure ihre Blockierung jedes Mal richtig treffen. Dies ist, wenn Sie der Szene Details und Farbe hinzufügen. Zum Beispiel könnte ein Charakter jemandem den Kuchen auf dem Tisch anbieten, und Sie können zu einer Aufnahme des Kuchens schneiden. Oder in einer angespannten Verhörszene könnten Sie das Gesicht der Kriminellen aus nächster Nähe zeigen, schwitzen und besorgt sein, bevor Sie zur nächsten Dialogzeile zurückkehren.

Es gibt keinen richtigen Weg, eine Szene zu bearbeiten, solange Sie sich daran erinnern, dass Sie vor allem versuchen, die Geschichte zu erzählen. Lassen Sie die Bilder so viel wie möglich sprechen

Schritt 7. Passen Sie das Timing der Szene an, um ihr einen Rhythmus zu geben

Beim Bearbeiten geht es um Tempo und Timing. Der Film muss natürlich fließen. Aus diesem Grund denken Redakteure in Einzelbildern – den Mikrosekunden-Standbildern, die Sie sehen, wenn Sie den Bildschirm anhalten – statt in Sekunden. Viele Editoren arbeiten aus diesem Grund zu Musik, indem sie die Frames so bearbeiten, dass sie zu einem Beat oder Song passen und der Szene einen Rhythmus verleihen. Sie müssen sich nicht an den natürlichen Rhythmus der Schauspieler auf der Leinwand halten und sollten es in vielen Fällen auch nicht. Das Hinzufügen oder Löschen von Pausen, sogar um einige Zehntelsekunden, kann eine gute Leistung zu einer großartigen machen. Zum Beispiel:

• Komische, actionorientierte oder energiegeladene Szenen haben ein sehr schnelles Timing. Es gibt nicht viele Leerzeichen zwischen den Zeilen, und die Wörter fallen fast übereinander, um herauszukommen. Dadurch wirkt die Szene schnell und lebendig.
• Angespannte Szenen sind normalerweise langsamer. Pausen werden in die Länge gezogen, B-Roll wird stark verwendet und Aufnahmen werden lange gehalten, um dem Betrachter Unbehagen zu bereiten. Für eine Meisterklasse im langsamen Schnitt, schau dir 12 Years a Slave an, insbesondere die Hängeszene in der Mitte des Films.
• Ein menschliches Gehirn braucht 3-5 Frames, um ein Bild zu erkennen. Dies bedeutet, dass Sie das Publikum möglicherweise nur verwirren, wenn Sie versuchen, zu schnell mit den Dingen zu sein.

Schritt 8. Lernen Sie die verschiedenen Schnittarten kennen, die Sie professionell bearbeiten können

Schnitt ist die Kunst, eine Geschichte durch Schnitte zu erzählen. Mit anderen Worten, ein Film ist einfach eine Reihe von Videos, die Rücken an Rücken gelegt werden, und wie Sie von einem zum anderen schneiden, nimmt das Publikum die Geschichte wahr. Daher ist die Reihenfolge der Schnittreihenfolge von einem Video zum anderen die "Angelegenheit" beim Bearbeiten eines Films. Die besten Schnitte sind nahtlos und erzählen die Geschichte, ohne dass das Publikum merkt, dass wir von einer Szene zur anderen gesprungen sind.

• Harter Schnitt-- ein sofortiger Schnitt in einen anderen Winkel, normalerweise in derselben Szene. Dies ist der häufigste Schnitt im Film.
• Zerschmetternder Schnitt- Ein abrupter Wechsel zu einer völlig anderen Szene. Dies lenkt die Aufmerksamkeit auf den Schnitt und signalisiert oft eine Überraschung oder eine große Verschiebung in der Handlung.
• Sprungschnitt-- Ein abrupter Schnitt innerhalb derselben Szene, oft aus einem etwas anderen Blickwinkel. Diese sind selten und zeigen normalerweise Verwirrung oder das Vergehen der Zeit.
• J-Schnitt-- Wenn Sie den Ton der nächsten Aufnahme hören, bevor Sie das Video sehen. Dies ist eine großartige Möglichkeit, zwei Szenen thematisch zu verknüpfen oder eine Erzählung bereitzustellen.
• L-Schnitt-- Wenn Sie das Video der nächsten Aufnahme sehen, bevor Sie den Ton hören. Dies ist eine großartige Möglichkeit, einem Charakter zu zeigen, wie er über etwas spricht, z. B. ein Versprechen, und es dann tut (oder es bricht).
• Aktionsschnitt-- Ein Schnitt mitten in einer Handlung, wie jemand, der eine Tür öffnet, der den Schnitt in der Handlung "versteckt". Zum Beispiel könnte ein Charakter für einen Kuss herantreten, und wenn sein Kopf den Bildschirm überquert, schneiden Sie auf den Kopf, der den Bildschirm aus einem anderen Blickwinkel betritt, normalerweise die Person, die geküsst werden soll.

Schritt 9. Fügen Sie Ihre Szenen mit B-Roll und Übergängen zusammen

Sobald Sie Ihre Szenen erstellt haben, ist es an der Zeit, sie zusammenzustellen. Wenn Sie alle Ihre Szenen als separate Dateien bearbeitet haben, importieren Sie sie in ein neues "Master Film"-Projekt und ordnen Sie sie an. Verwenden Sie dann Ihre B-Rolle, Coverage-Aufnahmen und Übergänge, damit sie nahtlos ineinander fließen. Während Sie sich ursprünglich mit dem Szenen-Timing befasst haben, betrachten Sie jetzt das Film-Timing – können Sie eine Szene hier und da zurückschneiden, damit die Dinge schneller gehen? Brauchen Sie etwas mehr B-Roll zwischen den Szenen, um dem Publikum Zeit zu geben, auf einen dramatischen Moment zu reagieren? Nochmals – Timing ist alles.

• Dies ist ein guter Zeitpunkt, um einen Freund zu bitten, den Film mit Ihnen zu sehen. Bekommen sie alles, was vor sich geht? Gibt es Handlungspunkte, die beim Mischen verloren gehen und mehr Zeit benötigen? Irgendwelche, die übererklärt sind und weggeschnitten werden können?
• Im Allgemeinen gilt: Je mehr Sie schneiden, desto besser ist der Film. Wenn eine Szene nicht funktioniert und der Handlung nichts Nützliches hinzufügt, entfernen Sie sie.

Schritt 10. Korrigieren Sie Farbe und Ton Ihres Films, um ihn professionell zu machen

Sobald Sie den Film so gut wie möglich haben, ist es Zeit für den langen Prozess des Aufräumens. Die letzten und wichtigsten Schritte für einen professionellen Film sind Farbkorrektur und Tonmischung. Es gibt zwar ganze Bücher zu diesem Thema, aber der beste Rat ist, alles einheitlich aussehen zu lassen – die Szenen haben eine ähnliche Beleuchtung und Farbe, und es gibt keine Stellen, an denen der Ton grell oder schwer zu hören ist.

Es gibt viele Studios, die gegen eine geringe Gebühr professionelle Farbkorrekturen und Tonmischungen durchführen können. Wenn Sie sich nicht sicher sind, wie das geht und Sie einen professionellen Film wünschen, sollten Sie unbedingt für professionelle Farbkorrektur und Tonmischung bezahlen

Schritt 11. Bearbeiten Sie, um die Geschichte zu erzählen und nicht auffällig zu sein

Es gibt viele auffällige, berühmte und stilisierte Filme, deren Kopie eine großartige Idee zu sein scheint. Insbesondere Quentin Tarantino und Guy Ritchie haben ihre animierten, kinetischen Stile in Filmen wie Pulp Fiction und Lock, Stock & Two Smoking Barrels gesehen, die von jungen Filmemachern überall angeeignet wurden. Was diese Leute nicht wissen, ist, dass diese Regisseure diesen Stil gewählt haben, weil er zum Film passt. Der Schnitt sieht mühelos aus, weil er einfach die Geschichten (kinetische, handlungsorientierte Geschichten) in den Mittelpunkt stellen lässt. Ihre Hauptaufgabe bei der Bearbeitung ist es, die Geschichte natürlich erzählen zu lassen. Sie führen den Betrachter, aber zu keinem Zeitpunkt sollte der Betrachter die Bearbeitung kommentieren. Die beste Bearbeitung ist unsichtbar.

Tipps

• Versuchen Sie, ein wenig Musik zu Ihrem Film zu schreiben. Es verleiht ihm einfach die besondere Note.
• Lassen Sie Ihre Schauspieler das Drehbuch durchgehen und bitten Sie sie, Dinge aufzuschreiben, die sie im Film gerne hätten. Versuchen Sie, sie in einer logischen Reihenfolge zu haben und stellen Sie sicher, dass sie für Ihren Film nicht zu unverschämt sind.
• Viele Städte haben Säle, die gemietet werden können, wenn Sie ein größeres Set benötigen.
• Versuchen Sie, Spaß am Set zu haben, weil es die Schauspielerei einfacher macht, als die ganze Zeit ernst zu sein. Sie können sogar ein spezielles Treffen für Sie und die Schauspieler abhalten, um den Film, die Charaktere, die Sets und die Outfits, die Sie tragen werden, zu besprechen und einfach ihre Gedanken darüber zu äußern, wie der Film interessanter gemacht werden kann.
• Überblendungen und Überblendungen sehen in der Regel professioneller aus als andere Übergänge, wie Wipes oder Flips.
• Versuchen Sie, die Synchronisationsgeräusche hinzuzufügen, es verleiht dem Film eine besondere Note.

Warnungen

• Seien Sie jedoch vorsichtig, da die Sonne, die auf Ihren Rücken scheint, Schatten in Ihrer Aufnahme werfen kann.
• Wenn Sie im Freien filmen, kann die Sonne in einem ungünstigen Winkel auf die Kamera treffen. Versuchen Sie, dies zu vermeiden, indem Sie an einem bewölkten Tag aufnehmen, oder bewegen Sie sich, bis die Sonne dem Rücken des Kameramanns zugewandt ist.