Animation ist leicht zu erlernen, aber schwer zu meistern. Es gibt so viele Animationsstile wie Animatoren, und mit einem Kurzfilm zu beginnen ist eine großartige Möglichkeit, Animationstechniken zu üben, während Sie Ihren "Signatur"-Stil entwickeln. Wie jeder andere Film braucht auch Animation Zeit, Geduld und viel Planung, um alles richtig zu machen, aber jeder mit einem Computer kann einen animierten Kurzfilm drehen.
Schritte
Methode 1 von 3: Erstellen einer Animatic (Vorproduktion)
Schritt 1. Schreiben Sie ein Skript
Das ist oft leichter gesagt als getan, aber Sie müssen Ihre Ideen klar aufschreiben und ihnen Struktur geben, bevor Sie mit der Arbeit beginnen. Anders als bei Live-Action ist es fast unmöglich, einen Animationsfilm zu "improvisieren", da es einfach zu lange dauert, alles zu animieren. Sie können ein einfaches Word-Dokument oder eine Skript-Schreibsoftware wie Celtx, Writer Duets oder Final Draft verwenden. Ihr Skript benötigt keinen Dialog, aber es benötigt:
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Ein Thema.
Was ist der "Punkt" des Kurzfilms? Dies muss nicht großartig, tiefgreifend oder kompliziert sein. Es kann alles sein, von "der Verlust der kindlichen Unschuld" oder "Langeweile ist ein Geisteszustand" bis hin zu "Ich möchte die Leute mit diesem Witz zum Lachen bringen". Betrachten Sie es als Leitlinie für Ihren Film.
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Zeichen.
Was wird die Aufmerksamkeit Ihres Publikums auf sich ziehen? Dies kann alles sein, von einer Person oder einem Tier bis hin zu einer verschnörkelten Linie, wie der Oscar-prämierte Kurzfilm "The Dot and the Line: A Romance".
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Visuelles.
Wo findet der Kurzfilm statt? Wie ist die Stimmung oder Atmosphäre? Ein Drehbuch muss die Geschichte des Kurzfilms vollständig erzählen, damit es als Blaupause für zukünftige Arbeiten verwendet werden kann.
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Ein Anfang, eine Mitte und ein Ende.
Das klingt offensichtlich, aber genau darum geht es – fast alle Geschichten werden in drei spezifischen, abgegrenzten Teilen oder Akten erzählt. Dies bedeutet nicht, dass Sie eine Drei-Akt-Geschichte oder sogar "Charaktere" haben müssen. Sie müssen jedoch die "Action" des Kurzfilms überlegen, bevor Sie fortfahren.
- Akt 1 stellt die Charaktere und ein Problem vor (sie sind hungrig, die Welt geht unter, Junge ist in jemanden verknallt usw.)
- Akt 2 verkompliziert die Geschichte/das Problem (Alle Geschäfte sind geschlossen, der Bösewicht könnte gewinnen, die Person hat bereits einen Freund usw.).
- Akt 3 löst das Problem (sie finden einen Sandwichladen, sie retten die Welt, der Junge trifft eine andere Person usw.)
Schritt 2. Skizzieren Sie Charaktermodelle
Bevor Sie mit der Animation beginnen, müssen Sie wissen, wie Ihre Charaktere aussehen werden. Skizziere sie in einer Vielzahl von Posen, Kostümen und Ausdrücken, um ein Gefühl dafür zu bekommen, wie sie aussehen werden. Denken Sie daran, dass eine Figur in einem Animationsfilm alles sein kann, von einem Bären bis hin zu einem Paar Salz- und Pfefferstreuer. Dennoch möchten Sie Ihre Charaktere im Voraus entwickeln, damit sie beim Animieren konsistent aussehen.
Schritt 3. Erstellen Sie ein Storyboard
Storyboards sind individuelle Zeichnungen für jede Handlung im Drehbuch und werden bei der Produktion fast jedes Films verwendet – animiert oder anderweitig. Sie sind sowohl einfach als auch umfassend, da Sie für jede gewünschte Änderung des Films eine benötigen. Sie benötigen jedoch keine Hintergrunddetails oder Farben, es sei denn, dies ist für die Geschichte unerlässlich. Sie können eine Vielzahl von kostenlosen Storyboard-Vorlagen online finden und ausdrucken oder Ihre eigenen zeichnen. Jeder Frame des Storyboards besteht aus zwei Teilen:
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Das Bild:
Zeichnen Sie in einem rechteckigen Feld die Hauptaktion der Aufnahme und ignorieren Sie die Hintergrundbilder vorerst. Sie können auch Notizen oder Pfeile zeichnen, um Bewegungen anzuzeigen.
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Der Dialog.
Notieren Sie unter der Aufnahme, was in der Aufnahme gesagt werden muss, die vorgeschlagene Länge der Aufnahme und alle Effekte (Einzoomen, verwackelte Kamera usw.)
Schritt 4. Importieren Sie Ihr Storyboard in ein Filmprogramm und speichern Sie jeden Frame einzeln
Sobald Sie Ihre Aufnahmen geplant haben, importieren Sie sie in Ihren Computer. Achten Sie darauf, sie entsprechend zu benennen (z. B. Act1. Scene1. Shot1.jpg). Wenn Sie fertig sind, importieren Sie sie alle in Ihre Filmbearbeitungssoftware (iMovie, Windows Movie Maker, Final Cut Pro, Adobe AfterEffects usw.) und bringen Sie sie in die richtige Reihenfolge.
Adobe AfterEffects oder Premier gelten als Industriestandards, aber Sie können jedes Programm verwenden, mit dem Sie sich am wohlsten fühlen
Schritt 5. Verwenden Sie Ihr Storyboard, um eine zeitgesteuerte Diashow oder Animation zu erstellen
Animatics sind die groben Schnitte der Animation – sie bringen das Tempo und den Rhythmus des Kurzfilms zusammen und ermöglichen es Ihnen, das richtige Timing für Ihren letzten Kurzfilm zu finden. Das klingt kompliziert, aber es sind wirklich nur Diashows mit dem richtigen Timing. Bringen Sie die Bilder des Storyboards in Ihrer Schnittsoftware in Ordnung und erweitern, schneiden und spielen Sie damit, bis Sie einen "groben" Schnitt des endgültigen Films haben.
- Beispiele für Animatics finden Sie online, wie die Animatic zum Musikvideo "Feel Good Inc." sowie einige Pixar-Animatiken.
- Fast alle Animationsfilme werden zuerst in Animatics umgewandelt. Andernfalls riskieren Sie, Stunden damit zu verbringen, eine Szene vollständig zu animieren, die sich ändern, länger oder kürzer werden oder gelöscht werden muss.
Schritt 6. Fügen Sie den Dialog und die Soundeffekte hinzu und passen Sie das Timing der Animation nach Bedarf an
Sobald Sie Ihr grobes Timing festgelegt haben, ist es an der Zeit, den Dialog vorab aufzuzeichnen. Dies muss nicht perfekt sein, und Sie können die Soundeffekte sogar mit Mund und Händen vortäuschen, wenn Sie möchten. Was zählt, ist der Zeitpunkt. Haben Sie in der "Aufnahme" genug Zeit, um alle Wörter herauszubringen? Verlängern oder verkürzen Sie die Länge Ihrer Folien nach Bedarf.
Je näher Sie der Perfektionierung des Dialogs kommen, desto besser, da die meisten guten Sprachausgaben das richtige Timing erfordern. Das heißt, jetzt ist nicht die Zeit, sich um die Feinheiten der Sprachausgabe zu kümmern. Sie müssen Ihre Animatic zusammenstellen, bevor Sie mit der vollständigen Produktion fortfahren können
EXPERTENTIPP
Melessa Sargent
Film Producer Melessa Sargent is the President of Scriptwriters Network, a non-profit organization that brings in entertainment professionals to teach the art and business of script writing for TV, features and new media. The Network serves its members by providing educational programming, developing access and opportunity through alliances with industry professionals, and furthering the cause and quality of writing in the entertainment industry.
Melessa Sargent
Film Producer
Take some extra time in the editing phase to fine tune your timing
Since a short film is only about 15 minutes, everything has to be on point, from the writing to the voice of the character to the location.
Schritt 7. Überprüfen Sie Ihre Animatic, als wäre es der endgültige Film
Die endgültige Animation sollte die gesamte Geschichte Ihres Films erzählen, abzüglich der Farben, Hintergründe und Details.
Wenn Sie sich mit der Videobearbeitung auskennen, können Sie jetzt Schwenks, Zooms und Übergänge hinzufügen, um sie vor der endgültigen Bearbeitung zu testen
Schritt 8. Ziehen Sie den Kauf eines Tablets in Betracht
Tablets sind kleine Computerpads, die mit einem elektronischen Stift geliefert werden, mit dem Sie direkt in Ihren Computer "zeichnen" können. Mit einer Maus gut zu zeichnen ist fast unmöglich, und wenn Sie nicht kleine Projekte oder Stop-Motion-Arbeiten planen, benötigen Sie fast definitiv ein Tablet.
Methode 2 von 3: Ihren Film animieren (Produktion)
Schritt 1. Bestimmen Sie Ihr Animationsmedium
Dies hängt in der Regel von Ihrem Fachwissen und Ihrer Hardware ab. Beispielsweise ist es für einen Anfänger mit einem älteren Computer sehr schwierig, wenn nicht unmöglich, 3D-Animationen wie Pixar zu erstellen. Es gibt viele, viele Animationssoftware und -stile, und alle haben Feinheiten und Techniken, die für die Software einzigartig sind.
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2D-Animation:
Dies ist der klassische handgezeichnete Cartoon-Look. Die Zeichen sind flache Strichzeichnungen. Ursprünglich wurden sie Frame für Frame gezeichnet, aber jetzt gibt es eine Vielzahl von Software, die den Prozess viel schneller macht, wie Synfig, Pencil2D, ToonBoom oder sogar Adobe Photoshop. Traditionell verwendet man 12-24 Zeichnungen pro Filmsekunde.
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3D-Animation:
Ähnlich wie bei den Modellen, die in Videospielen und Filmen wie Toy Story und Shrek verwendet werden, ist 3D-Animation viel schwieriger zu meistern. Sie erstellen Modelle der Charaktere und codieren Bewegungen in sie, wodurch die 3D-Animation zu einer Art Kunst- und Codierungshybrid wird. Sie müssen auch Beleuchtung und Texturen hinzufügen. 3D-Software kann verwendet werden, dauert jedoch lange und erfordert Software wie AutoDesk, Poser Pro, Aladdin oder Sketchup. Die meisten 3D-Animationen sind das Ergebnis der Zusammenarbeit großer Teams.
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Stop-Motion:
So einfach kann es jeder, Stop-Motion ist, wenn Sie reale Figuren oder Zeichnungen verwenden und nach jeder kleinen Bewegung ein Bild machen. Wenn die Bilder mit hoher Geschwindigkeit nacheinander wiedergegeben werden, sieht es aus wie eine Bewegung. Es ist jedoch unglaublich zeitaufwändig, da Sie oft mehr als 12 Fotos pro Sekunde des Filmmaterials benötigen, um es glatt aussehen zu lassen. Sie können Ausschnitte, Tonmodelle, individuelle Zeichnungen oder echte Menschen verwenden, um es herzustellen.
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Rotoskopie:
Rotoskopie ist eine Nischenform der Animation, die in Filmen wie A Scanner Darkly zu finden ist, und animiert zusätzlich zu konventionell gedrehten Filmen. Sie benötigen ein Tablet und gehen das Filmmaterial Bild für Bild durch, wobei das Live-Video als Leitfaden zum Zeichnen der Charaktere dient. Das Ergebnis ist ein realistischer, aber dennoch animierter Look.
Schritt 2. Zeichnen Sie Ihre Hintergründe auf
Beginnen Sie mit Ihren Einstellungen, da die Zeichen ihnen überlagert werden. Der Hintergrund sollte alles sein, mit dem die Charaktere nicht interagieren, da alles, was sich bewegt, animiert werden muss. Der Hintergrund sollte eine große Zeichnung sein und mit hoher Auflösung eingescannt werden. Dadurch können Sie bestimmte Abschnitte ohne Verzerrungen "hineinzoomen". Wenn Sie beispielsweise zwei Charaktere in einem Café unterhalten, möchten Sie das gesamte Café dahinter zeichnen. Aber vielleicht möchten Sie, dass sich die "Kamera" auf jeden Charakter konzentriert, während er einzeln spricht. Anstatt den Hintergrund hinter ihm neu zu zeichnen, können Sie einen kleineren Abschnitt Ihres detaillierten Hintergrunds für "Nahaufnahmen" kopieren und einfügen.
Schritt 3. Skizzieren, modellieren oder entwerfen Sie Ihre „Schlüsselposen“
" Was sind die wesentlichen Posen Ihrer Charaktere oder die bestimmenden Handlungen, die jeder in der Szene macht? Betrachten Sie diese als die "Ziele" für jedes Stück Bewegung. Nehmen Sie zum Beispiel einen Charakter, der für einen Schlag auftaucht. Sie könnten dies in drei "Schlüsselposen" unterteilen, von denen jede einzeln gezeichnet und gespeichert werden muss.
- Schlüsselstellung 1 = Ruhen. Es könnte ein Gesicht der Überraschung, Wut oder Entschlossenheit sein oder einfach der Charakter mit den Händen an den Seiten.
- Schlüsselstellung 2 = Aufziehen. Wie legt die Figur ihren Arm zurück? Machen Sie sich noch keine Sorgen um die Bewegung, um in diese Position zu gelangen, ziehen Sie sie einfach mit dem Arm nach hinten heraus und bereiten Sie sie vor, loszulassen.
- Schlüsselpose 3 = Das Follow-Through. Wo landet der Charakter direkt nach dem Schlag? Ihr Arm wird freigelegt und ihr Körper folgt wahrscheinlich durch. Auch hier möchten Sie die letzte Pose, nicht die Frames, die die Hand durchläuft.
- Je mehr Schlüsselposen Sie zeichnen, desto komplexer wird die Bewegung. Sie können beispielsweise Keyframes hinzufügen, damit der Charakter schockiert aussieht, eine Faust ballt, den Ellbogen senkt, den Arm schwingt, schlägt und sich dann beim Follow-Through dreht.
Schritt 4. Zeichnen Sie die "Dazwischen"-Rahmen
Nehmen Sie zum Beispiel den Schlag – wie kommt man von Schlüssel zu Schlüssel? Es gibt eine fortschrittliche Software, die dies für Sie erledigt – sobald Sie Charaktermodelle erstellt haben, "rendert" die Software die Bewegung dazwischen für Sie. Wenn Sie jedoch gerade erst anfangen, müssen Sie wahrscheinlich Ihre eigenen Rahmen von Hand zeichnen. Je mehr Frames Sie zeichnen, desto glatter sieht die Aktion aus.
- Es kann hilfreich sein, Ihre Keyframes als Hilfslinien auf dem Bildschirm zu platzieren. Dies hilft Ihnen zu sehen, wo Sie die Charaktere bekommen müssen und wo sie angefangen haben.
- Wenn sich etwas nicht bewegt, machen Sie sich nicht die Mühe, neu zu zeichnen. Kopieren Sie den Keyframe und fügen Sie ihn ein, löschen Sie den Teil, der verschoben werden muss, und lassen Sie alles andere dort, wo es war.
Schritt 5. Setzen Sie das Filmmaterial zusammen
Kompostieren ist nur eine ausgefallene Art, das Aneinanderreihen des Films zu beschreiben. Dies kann so einfach sein wie das Bestellen aller Frames für Stop-Motion oder so kompliziert wie das Rendern eines 3D-Modells mit genauer Beleuchtung. Auch hier bestimmt Ihre Animationsmethode, wie Sie etwas zusammensetzen:
- Für 2D-Animatoren geht es beim Compositing darum, die Bewegung glatt aussehen zu lassen. Software wie ToonBoom übernimmt dies für Sie und kann als "Rendering" bezeichnet werden.
- Für 3D-Animatoren ist zu beachten, dass dies sehr lange dauert. Lichteffekte und Texturen sind schwer zu programmieren, und selbst die schnellsten Computer können Stunden brauchen, um ein Video zusammenzusetzen.
- Für Stop-Motion-Animatoren sollten Sie mit der Bildlänge spielen und die Aufnahmen um eine Zehntel- oder Hundertstelsekunde anpassen, um eine reibungslose, flüssige Bewegung zu erzielen.
Methode 3 von 3: Fertigstellen Ihres Films (Postproduktion)
Schritt 1. Nehmen Sie einen beliebigen Dialog für den endgültigen Film auf
Jetzt, da Sie die fast fertige Animation haben, ist es an der Zeit, den Gesang genau richtig hinzubekommen. Ihre Synchronsprecher können die letzte Szene, den Gesichtsausdruck ihrer Charaktere und das gewünschte Timing in Ihrer letzten Einstellung sehen. Dadurch können sie (oder Sie) die beste Gesangsleistung liefern.
Beachten Sie, dass Änderungen an der Animation zu diesem Zeitpunkt möglicherweise sehr zeitaufwändig sind. Aus diesem Grund ist eine sorgfältige Vorproduktion für einen Animationsfilm jeder Länge unerlässlich
Schritt 2. Fügen Sie gegebenenfalls Soundeffekte hinzu
Soundeffekte sollten nach den Synchronsprechern kommen und auf die entsprechende Lautstärke eingestellt sein, damit sie den Dialog nicht übertönen. Von dieser Regel gibt es natürlich einige Ausnahmen. Wenn es beispielsweise eine Explosion gibt, auf die die Charaktere reagieren müssen, ist es möglicherweise am besten, sie zuerst einzuschalten, bevor der Dialog aufgenommen wird. Das hilft den Schauspielern bei Reaktionen.
Tonmischung ist eine wichtige und subtile Kunstform. Investieren Sie in einen guten Kopfhörer und/oder Lautsprecher, um alle Lautstärken richtig einzustellen
Schritt 3. Schneiden Sie den Film in Ihre endgültige Vision
Jetzt, wo Sie den ganzen Film zusammen haben, wie hält er sich? Es besteht die Möglichkeit, dass sich einige der Übergänge klobig anfühlen und ein oder zwei Szenen länger dauern, als es sollte. Genau wie Sie jeden Live-Action-Film bearbeiten würden, müssen Sie Ihr animiertes Stück kritisch betrachten und es polieren, bis es funkelt. Es gibt zwar keine "richtige" Methode, einen Film zu bearbeiten, es gibt jedoch einige Grundsätze, die Sie beachten sollten:
- Fühlen sich Szenen schnell und wichtig an? Fühlen Sie sich die ganze Zeit beschäftigt? Hilft eine bestimmte Zeile oder Einstellung, die Geschichte oder das Thema voranzutreiben? Wenn die Antwort auf eine dieser Fragen nein ist, beginnen Sie mit dem Trimmen. Oftmals sind die erste und letzte Dialogzeile unwichtig, da das direkte Ein- und Aussteigen in eine Szene in der Regel ansprechender ist. Beim Bearbeiten zählt jeder Frame.
- Sehen Sie sich den Film mit jemandem an, der vom Projekt distanziert ist. Gab es Teile, die sich langweilen? Hat sie etwas verwirrt oder brauchten sie mehr Zeit? Wie kannst du deine Story schneiden und trimmen, um sie so spannend wie möglich zu machen?
- Wie fließen die Szenen zusammen? Manchmal helfen 2-3 Sekunden Hintergrundmaterial dem Betrachter, zu Atem zu kommen und in die nächste Szene einzutauchen, bevor der Dialog beginnt.
Schritt 4. Fügen Sie Ihre polierenden Akzente wie Effekte, Übergänge und Farbkorrekturen hinzu
Wenn Sie beispielsweise einen alten Sepia-Tönung für Ihren Film wünschen, fügen Sie ihn zuletzt hinzu. Diese kleinen Änderungen sind beim Zuschneiden, Schneiden und Erstellen Ihres Films unnötig. Außerdem sind sie nutzlos, wenn Sie die Szene ausschneiden oder das Farbschema ändern. All diese winzigen Berührungen müssen zuletzt kommen, wenn Sie sicher sind, dass das "Fleisch" des Films fertig ist.
- Fügen Sie den Szenenübergängen Wischvorgänge, Überblendungen oder Einblendungen hinzu.
- Fügen Sie dem fertigen Filmmaterial beliebige Filter oder Effekte hinzu.
- Fügen Sie Titel und Credits am Anfang und bei Bedarf ganz am Ende hinzu.
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Tipps
- Arbeiten Sie in kleinen Stücken, um die besten Ergebnisse zu erzielen – eine Szene, eine Aktion usw. – und bauen Sie sie später zusammen.
- Nehmen Sie sich Zeit für die Vorproduktion. Das erspart später viele Kopfschmerzen.
- Machen Sie einen Testfilm, nicht länger als 20-30 Sekunden, wenn Sie gerade mit einer neuen Software beginnen. Dies hilft Ihnen, das Programm und die Herausforderungen zu erlernen, bevor Sie in Ihre Vision eintauchen.
